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LOS EFECTOS ÓPTICOS DE PROFUNDIDAD

 
  EN EL ARTE PLÁSTICO  

MDO. Ma. de la Concepción Cueva Tazzer

Escuela de Diseño

Universidad de Guanajuato

conict@quijote.ugto.mx

RESUMEN

 En este artículo se analiza y reflexiona sobre los estudios y técnicas empleados por los artistas para plasmar la perspectiva en la pintura, y como a través de la historia han llegado a su dominio en diferentes géneros de manera significativa. Siendo un arte plástico bidimensional, se manifiestan efectos ópticos con gran destreza, proporcionando sensaciones de profundidad en dichas composiciones, valiéndose de infinidad de técnicas y trucos, que sólo se logran mediante la experiencia y sensibilidad artística. 

 ABSTRACT

This article show an analysis and make a reflection about the artist´s studies and techniques they use to paint perspectives on their work; and how they have become, through history, masters in several genres, on a very significant way. Although their plastic art is bidimensional, they show skillful optical effects, providing a sense of deepness on their compositions, through a wide range of tricks and techniques that only through experience and artistic sensibility can be achieved.

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Desde la prehistoria, las artes plásticas han dejado una enorme huella en las distintas sociedades donde se produjeron. Ellas han manifestado, en gran medida, la forma de vida, la jerarquía monárquica, los movimientos religiosos, comerciales y sociales de cada época; esto es, en cada movimiento, a través de la pintura, se pone en evidencia la evolución histórica que ha tenido cada pueblo.

Asimismo, a lo largo de la historia de la plástica, ha habido diferentes reacciones a los movimientos de cada período. Éstas se advierten en las prácticas con menos rigor, más libres; prácticas que expresan conocimientos de nuevas técnicas, formas, colores, cualidades tonales, texturas, profundidad, uso de claroscuros, además de cualidades orientadas a representar la luz, el empleo de diversos planos en la composición, los efectos especiales; prácticas que imprimen, finalmente, las influencias en cada tendencia artística. Incluso, en esta labor, pueden incluirse el uso de ilusiones ópticas y representaciones abstractas, donde el espectador, en múltiples ocasiones, ofrece su interpretación personal de la obra, sin tener necesariamente la facultad de un artista.

BREVE ANÁLISIS CRONOLÓGICO DE ALGUNAS OBRAS

En las pinturas de la Prehistoria generalmente se muestran las figuras aisladas, sin ninguna vinculación entre sí y sin la percepción espacial; las formas no tienen proporción ni volumen: son totalmente planas. Sí reflejan ciertos movimientos por las posiciones de sus miembros, así como la manifestación de su modo de vida.

1.       La Cueva de Altamira, situada en las proximidades del Santillana del Mar, Cantabria, España.

2.       Cueva de Lascaux, al sudoeste de Francia, cerca de la aldea de Montignac, Dordoña.

3.       Danza del Cogul. Roca dels Moros, Cogul, provincia de Lérida, Cataluña, España.

En las pinturas de Mesoamérica y en la Pintura Oriental de la antigüedad Preclásica, para sugerir la profundidad usaban la elevación de las figuras respecto al borde inferior del relieve o de la pintura. Se pudiera pensar que querían representar cierta perspectiva, jugando con diferentes tamaños en las figuras; pero esta diferencia es notablemente cultural y revela mayor o menor jerarquía social.

1.       La pintura egipcia. Muestra la vida cotidiana y batallas, además de leyendas religiosas.

2.       Bonampak. Frescos que ofrecen una compleja visión de la sociedad prehispánica y nos acercan a la vida de la corte,  “…son un recurso sin paralelo en la comprensión de la sociedad antigua”.[1]


Posteriormente en el arte Cristiano, Bizantino y Medieval, el recurso más empleado para establecer la perspectiva es la superposición de figuras. Sin lograr esa ilusión de tercera dimensión, establecían un sistema de relaciones para insinuar diferentes planos en la pintura.

  1. Mosaico del S. VI-VII. HI. Demetrius. Kirche des HI. Demetrius.

  1. Mosaico del S. VI. Detalle del Cristo de Ravenna, Italia. Iglesia de San Apolinar el Nuevo

  1. Pergamino del S. X, evangelista Lucas. Museo Británico de Londres.

Ya en el Renacimiento, aparece claramente la creación de la profundidad en el espacio; se redescubre las leyes de la perspectiva central, con estudios muy profundos y complejos aplicados con todo rigor en sus obras pictóricas, que van desde paisajes hasta espacios arquitectónicos interiores y exteriores. Este concepto espacial, se mantiene en el Barroco con ostentosos ejemplos.

1.       Escuela Primitiva Flamenca. Óleo sobre tabla (1434). Escena costumbrista del pintor flamenco Jan van Eyck. Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa. Galería Nacional de Londres. La preocupación por la luz y la perspectiva es más notoria a través de la luz que penetra suavemente y envuelve las formas delicadamente. La claridad se disuelve poco a poco en una atmósfera tangible. El marco arquitectónico y el espejo del fondo dan una sensación de profundidad muy real. Se dice que el mismo Velásquez se inspiró en esta obra para pintar la Meninas.[2]

2.       Paisaje del valle del Arno, de Leonardo Da Vinci (1473); este es el dibujo más antiguo de Leonardo. Es un estudio de paisaje toscano en el que muestra el río, las montañas, el castillo de Montelupo y unas granjas al fondo, con gran detalle. En esta primera obra, Leonardo muestra un manejo impresionante de la perspectiva de paisaje, conocimientos que deja notar en toda su obra. Hoy se encuentra en la Galería de los Uffizi.

3.     Capilla Tornabuoni de la Iglesia Santa María Novella, Florencia Italia. Cumpleaños de María, fresco de Doménico Ghirlandaio conocido como Fra Angélico. El artista aplicó las teorías de la perspectiva de León Battista Alberti; con la utilización del color consigue dar mayor emotividad a la obra, crea figuras monumentales, representa el movimiento y establece planos de profundidad a través de la perspectiva lineal, confirmándolo como uno de los pintores más importantes del primer renacimiento.

 

La cena de Emaús, pintada en 1601 por Miguel Ángel de Caravaggio.

Los claroscuros en su pintura le dan intensidad y viveza.


 

En la pintura Barroca, por ejemplo, la dinámica del espacio se ve reflejada en la visión de profundidad de las escenas. Se estructura la composición mediante diagonales y el uso de manchas de luz y color con una intensidad muy dramática donde los contornos se diluyen y configuran el espacio como algo dinámico. Se denota el gusto por las perspectivas ilusionistas, que intentan romper visualmente el espacio arquitectónico mediante la representación del cielo y la sugerencia del infinito.

El movimiento plástico denominado Impresionismo floreció en la segunda mitad del siglo XIX. Una de sus características es que los artistas se valen del conocimiento de las propiedades psicofísicas del color y de los valores de sus infinitos matices, usándolos con tal maestría y técnica que logran efectos muy impactantes de profundidad en un intento de plasmar la luz, y hace a un lado la obviedad tan evidente del Renacimiento.

1.       Este movimiento fue bautizado por la crítica con ironía hacia el cuadro de Claude Monet, Impresión: sol naciente (1872-1873). La luz se convierte en el factor que unifica la figura y el paisaje. Museo Marmottan, París, Fr.

2.       El parlamento de Londres de Claude Monet (1904), se encuentra en el Museo d’Orsay en París, Fr. Este cuadro muestra las pinceladas lineales de colores puros, y da lugar a una visión unitaria de atmósfera y gradación de cálidos a fríos. En el conjunto de pinceladas y el contraste de claroscuros, se avizora tenuemente la perspectiva.

A finales del siglo XIX e inicios del XX, el Fauvismo, el Expresionismo, el Cubismo, el Futurismo y otras escuelas se oponen a los principios marcados en el Renacentismo sobre la trimensionalidad y expresan en sus obras otros recursos plásticos para cumplir el mismo objetivo, sin quebrantar la condición plana de la pintura. De izquierda a derecha se presentan ejemplos de cada movimiento:

1. Henry Matisse define los espacios mediante amplias áreas de colores sin matizar, estructurados por medio de las líneas de los cuerpos, marcando el ritmo de la composición; dibuja con el color dando identidad a la pintura y logra la perspectiva y sombra de volúmenes.

  2. Mientras André Deraín, en la mayor parte de su obra, contempla paisajes campestres y urbanos, como el Puente de Londres (1906); aplica colores puros en ocasiones directamente del tubo, con pinceladas irregulares y despreocupación por la perspectiva —la cual se distingue por medio de planos de color— o por la representación realista.

3. La casa roja de Paul Klee es una muestra del expresionismo, muy figurativo, señales abstractas a menudo graciosas e infantiles, que denota claramente la perspectiva central muy utilizada en el Renacimiento.
4. En el cubismo, en cambio, es una total descomposición de la figura en sus mínimas partes, con planos estudiados en sí mismos; se deja de lado la visión global del volumen. Un objeto puede ser visto desde diferentes puntos de vista, de suerte que rompe con la perspectiva convencional y con las líneas de contorno y da lugar a la perspectiva múltiple, dada por el estudio independiente de cada plano; esto ofrece vistas de cara, perfil o cualquier otro ángulo al mismo tiempo. Pablo Picasso La señoritas de Abignon

5. El ejemplo de futurismo dado por Umberto Boccioni con su obra La calle ante la casa, expone de una manera muchos más atrevida diferentes puntos de vista; incluso juega con la perspectiva aérea, de manera radial, provocando un dejo de desastre o ruido.

En la pintura moderna predomina esta tendencia, los trucos ópticos ya no son de su interés para provocar la ilusión de profundidad; sin embargo, los artistas no abandonan la separación de planos, vuelven a emplear en ocasiones medios muy antiguos que con las nuevas técnicas presentan virtuosamente la profundidad.

  

1.       Salvador Dalí, en su obra El enigma sin fin representa un paisaje, con playa y montañas, que se llegan a transformar en una persona pensando con la mano apoya en la cara que a su vez enlaza conformando la figura de un galgo que abraza con la pierna la quilla de la barca. Dalí denomina a esta concatenación de imágenes: imágenes encadenadas[3].

2.       El padre del Arte Abstracto geométrico (Op Art) fue el húngaro Victor Vasarely; su obra posee efectos ópticos de movimientos y ambigüedad de formas y perspectivas.


REFLEXIONES SOBRE ESTRATEGIAS PARA LOGRAR LA PROFUNDIDAD

La simulación de la tercera dimensión en un plano bidimensional se crea mediante ciertos recursos pictóricos conocidos como indicios de profundidad, produciendo una ilusión óptica y proporcionado la sensación de lejanía en un espacio. Esto se logra mediante la convergencia de líneas, la superposición de figuras, el contraste de claroscuros, la gradación óptica de color, tamaño y texturas.

La percepción que el hombre tiene de la profundidad se logra en función de diez señales visuales. Cuando una imagen bidimensional (2D) es proyectada sobre la retina del ojo, nos permite relacionar los objetos de la imagen a un espacio tridimensional (3D). Cuatro de las señales están dentro del campo fisiológico y seis en el psicológico.[4]

La convergencia de líneas se alcanza mediante líneas paralelas que son perpendiculares al observador y que convergen en la lejanía, por consecuencia, todo grupo de líneas que se juntan en un punto parecen entrar en un espacio virtual y alejarse hacia ese punto, provocando así la ilusión óptica. Los cánones que instruyen para causar este efecto conforman la ciencia de la Perspectiva.

1.       En la primera imagen se percibe claramente el efecto de convergencia —el cual es un fenómeno fisiológico—, donde son dos líneas paralelas entre sí, pero perpendiculares al observador, los dos rieles y los postes de luz, al alejarse hacia un punto en el horizonte provocan esa percepción de profundidad.

2.     Mientras que en la segunda el fenómeno es psicológico —aprendida por la experiencia— es la perspectiva linear debido a la reducción gradual del tamaño de la imagen a medida que la distancia al objeto aumenta, que en conjunto con el fenómeno fisiológico de la convergencia, se logra percibir la perspectiva.

Se obtiene la superposición de las figuras cuando un objeto o conjunto de objetos cubren a otros de forma total o parcial, tratando de aparentar que están en un plano anterior, esto es, que hay más proximidad con el observador provocando de esta manera una experiencia visual de diferentes distancias entre planos. A este fenómeno se le conoce como “traslape” porque los contornos continuos aparecen más cercanos al observador.

En esta obra es muy notoria la posición de las figuras respecto del borde inferior del cuadro.

Considerando  que  la  línea de horizonte está siempre a la altura de los ojos —sin importar la posición en que se encuentre el observador—, y ésta representa la distancia máxima que la vista puede alcanzar, bajo este principio, cuanto más cerca de la línea de horizonte esté una figura, más lejos se encuentra del observador.

El tamaño, se basa en el conocimiento que tenemos de la dimensión de los objetos y los seres vivos, así como de la experiencia vivida y comprobada en innumerables ocasiones, en relación con las cosas que se ven más pequeñas a medida que se alejan de nuestra vista. Por tanto se registra que la pintura de un objeto de mayor tamaño que otro es porque el primero está más cerca del observador. A esto se le conoce como el tamaño retiniano de la imagen.

El plano del cuadro es el que se presenta de frente al observador al fondo en la distancia del horizonte. Los objetos alargados que se muestran de manera oblicua o perpendicular al plano del cuadro, parecen acortarse, este acortamiento aparente se denomina en artes plásticas “escorzo”.

 

Asimismo, cuando se aleja un objeto de la visión, la masa de aire interpuesta entre él y el observador es mayor; esto influye en los colores y las sombras, que se van degradando conforme a la distancia, se hacen más pálidos y los valores más claros. La disminución de la luminosidad de los colores, el incremento en la vaguedad de los perfiles y la pérdida de los detalles de la superficie, son otras estrategias visuales para producir la lejanía de los objetos. 

Otro medio valiosísimo para el logro de la profundidad es mediante el juego de luces y sombras, lo que se conoce como el manejo del claroscuro, de tal manera que se provocan contrastes muy fuertes con el manejo de la luz y las sombras, pudiendo manipular una gradación de tonos o bien concebirlo de manera muy acentuada.

 

BIBLIOGRAFÍA

Gran Historia del Planeta. Vol. El renacimiento, primera parte tomo 5. Editorial Planeta.

Lo que enseña el Arte. La percepción estética en Arnheim. Carlos Pérez-Bermudez. Colección Oberta. Universidad de Valencia, España.

Arte conceptual revisado. Juan Vte. Aliaga/José Miguel G. Cortés. Universidad Politécnica de Valencia, Espana.

Perspectiva para artistas. Serie cómo se aprende.

Cómo dibujar en perspectiva. José Ma. Parramón.

www.terra.es


[1] Mary Millar, profesora investigadora de la Universidad de Yale. http://www.wikimedia.org

[2] El Renacimiento, gran Historia del Planeta. Vol. El Renacimiento, primera parte tomo 5. Editorial Planeta. ISBN 8439574231

[3] Salvador Dalí. El enigma sin fin. Óleo sobre lienzo 114,5 x 146,5 cm. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Madrid, España. www.terra.es

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